Buenas tardes a todos. Estamos, una vez más, ante el artículo sobre música clásica de todos los fines de semana, que llega a destiempo pero ha llegado y con muy buena compañía. Manuel de Falla, el gran compositor gaditano, uno de los grandes genios de la música, es el que acompañará, con su preciosa obra para piano y orquesta Noche en los jardines de España, una obra marcada perfectamente con ese acento andaluz y ese carácter español tan propio de toda la música de su tiempo.

Se trata de una obra de una dificultad superior a muchas otras españolas, aunque posiblemente inferior a otras, evidentemente, pero con una música bastante buena, una composición muy bien hecha y un piano impresionante. La pianista se llama Silvia Navarrete, y aunque no la conozco puedo decir que tiene una disciplina bastante bien cultivada.

Esta obra creo que es más conveniente que no sea comentada y que sea directamente escuchada, pues no hace falta decir mucho para comprobar el carácter nacionalista de su estilo, como casi toda la obra de Falla. Y creo que merecerá la pena que se concentren en escuchar esta delicia porque vale realmente la pena y pueden descubrir, si aún no lo han hecho, un mundo nuevo, fascinante, que es el de la música “clásica” en general, y la música española en particular.

De modo que les voy a dejar directamente con la obra en cuestión, esperando que la disfruten con creces y que les guste tanto como me gusta a mí, o más, quién sabe. Vale la pena, como muchas de las grandes composiciones del repertorio español para piano.

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Buenas tardes. Sábado, fin de semana, y hora de hablar de música, en concreto, de música clásica, y más en concreto todavía, sobre guitarras románticas. Este artículo, o mejor dicho, el conocimiento de la obra que traigo para este artículo, para esta semana, se lo debo a una persona a la que aprecio mucho y que durante cuatro años fue mi profesor de música en el instituto y que hoy es mi alumno de piano.

Francisco Tárrega, músico de Villareal, compositor excelente y guitarrista de la segunda mitad del siglo XIX, Romanticismo en toda regla, mezclado con nacionalismos, al cual le debemos este legado musical, es el compositor que escribió, con un talento impresionante, el Capricho árabe para guitarra romántica.

La guitarra romántica, a diferencia de la clásica, era más grande, más pesada y, en consecuencia, más difícil de manejar en cuanto a posturas. La persona que me reveló a este compositor me explicó que la guitarra es un instrumento mucho más romántico que el piano, mucho más intimista, a la que se puede querer como a una novia, porque la interpretación de una obra para guitarra conlleva tener este instrumento entre tus brazos, agarrado, como si de un baile lento y pegado se tratase. De esa manera se sienten las vibraciones del sonido directamente en nuestro pecho, lo cual proporciona un placer nuevo, diferente al del piano, que nos afecta a los dedos y en ellos notamos las vibraciones de la música (también una sensación placentera). Por eso, quizá, el guitarrista pueda sentir la música de una manera distinta al pianista, más cercana y más suya, tratándose, por supuesto, de obras compuestas y pensadas para la ejecución de ese instrumento.

El guitarrista que interpreta en el video que os presento se llama Pablo Sáinz Villegas, que al parecer es un guitarrista reconocido. Yo no lo conocía hasta que vi el video, pues en cuanto a técnica no tengo demasiados conocimientos de la guitarra, si bien soy capaz de tocar algunas cosas, pero me limito a los acordes, así que no me creo con derecho a decir si es un buen guitarrista o no lo es. En mi opinión, el sonido sale muy, pero que muy bien de esta guitarra, de esos dedos, y la interpretación, en cuanto a matices, sentimiento, expresión y ligereza, me parece bastante buena. Quizás, si hay algún guitarrista profesional (de conservatorio), me podrá decir si estoy o no equivocado. Pero, en definitiva, lo que es la música me suena muy bien, y además, si lo compuso Tárrega, esto es como es, independientemente de la interpretación.

Se trata de una obra tranquila, con una melodía que, sinceramente, se mete en la cabeza y no te deja en todo el día (me pasa mucho con este tipo de piezas). Y además ese sonido español, con los quejidos propios del cante aflamencado, hace tan viva esta música, esta rama de la música instrumental compuesta con maestría, a diferencia de lo que hay ahora, tan viva, decía, que a cualquiera con un poco de sensibilidad, como digo siempre, le gustará. Espero que haya de estos entre los lectores, y que disfruten con el Capricho árabe de Francisco Tárrega y, por qué no, con la interpretación de Pablo Sáinz Villegas. Buen fin de semana.

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Buenos días a todos. Hoy, aunque es domingo, estoy aquí para hablar de la música clásica que se publica en este blog cada sábado: ayer tuve problemas con mi conexión a internet y no pude, por más que lo intenté, publicar este post aquí.

Para este fin de semana escogí, cuando hice, hace unos días, la lista de obras clásicas que se irían publicando en lo venidero, una obra a la que tengo mucho aprecio y que me gusta bastante. La primera vez que la escuché estaba en un examen de música en el instituto, lo recuerdo perfectamente, y el profesor dijo un título extraño y un nombre extraño, que nadie en la clase conocía, ni yo, que escuchaba música clásica. Pero más tarde me di cuenta de que este compositor era uno de mis preferidos, dentro del período romántico, y fue cuando empecé a buscar, una detrás de otra, todas sus obras. La pieza de la que hablo esta semana es un concierto para piano, en do menor, y es el segundo que escribió Sergei Rachmaninoff, de cuatro conciertos, a cada cual mejor, que tiene en todo su repertorio. Como curiosidad diré, aunque este no es el mejor momento, que el primer concierto para piano del compositor fue su primera obra, lo cual es increíble porque un concierto para piano y orquesta no lo escribe cualquiera, y menos uno con una calidad semejante.

Bueno, pues esta obra, como decía, es una de mis preferidas de uno de mis compositores favoritos. Una pieza extremadamente difícil, que consta de tres movimientos completamente románticos, con mucha tensión armónica y una melodía preciosa que hace que los sentidos de cualquiera con un mínimo de sensibilidad se estremezcan al escucharla. El segundo movimiento es un lento con una melancolía a lo largo de los veintidós minutos de pasaje tal que lo convierte en una de las piezas más famosas del compositor ruso. Pero el que vamos a escuchar es el primero, que sólo con la forma de comenzar ya nos sitúa en un ambiente completamente romántico, con una presencia de la melancolía en los violines del principio y en el piano que introduce, lenta y progresivamente, el moderato con unos majestuosos acordes seguidos de un bajo estremecedor. Una sensación exquisita, donde las haya.

La interpretación del pianista del video que muestro no es la mejor que he visto, me gusta más la de Jorge Bolet, pero la forma de tocar de Alexis Weissenberg, el pianista búlgaro que aparece aquí, no es mala. Además, en este video acompaña y favorece en gran medida la presencia del director, Herbert von Karajan, uno de los mejores directores de toda la historia, que el año pasado hubiese cumplido cien años. Con todo esto, la pieza se convierte, no sólo por su hermosura en sí misma, sino también por el acompañamiento de este gran artista de la batuta y de la interpretación del pianista, en una reliquia que no se puede dejar pasar.

Les dejo, pues, con el vídeo. Y recuerden que en youtube pueden encontrar el resto de los movimientos que componen este fabuloso concierto. Merece la pena. Espero que les guste.

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Buenas noches. Hoy, después de algún tiempo sin hablar de esto, voy a iniciar de nuevo una “temporada” de esta serie de artículos dedicados de manera exclusiva a la música clásica. Las horas que ahora mismo corren, creo, son un momento bastante propicio para escuchar este tipo de música, algunos para relajarnos, otros simplemente para disfrutar del buen sonido de un piano y de unos acordes bien organizados con secuencias bien escritas, otros, en cambio, como utilizan muchos, para irse a la cama a dormir. Por mi parte, la mejor intención es la de hacer que la gente disfrute y escuche obras que no suelen ser demasiado escuchadas entre los oyentes de todo el mundo, ya que la música clásica, en general, cada vez se escucha menos, cada vez hay menos conciertos y cada vez hay menos músicos buenos.

Para reabrir esta sección, que seguirá abierta durante un buen tiempo (tengo obras anotadas para todas las semanas durante tres o cuatro meses), he seleccionado una de mis piezas favoritas de piano, muy difícil, por cierto, pero con un efecto impresionante en el oído, en el corazón de algunos. Se trata de la composición para piano titulada Jeux d’eau, juegos de agua, del compositor francés Maurice Ravel, impresionista, uno de los más importantes de principios del siglo XX.

Reconocido generalmente por el Bolero, una obra con una estructura similar en toda su forma, que va aumentando la intensidad hasta culminar en un fortísimo con tambores, el compositor francés marca en sus obras un conjunto de sensaciones que el oyente llega a percibir con la simple combinación de sonidos, sucesivos, perfectos. La obra que vamos a escuchar esta noche simboliza perfectamente el agua en perpetuo movimiento, como si alguien estuviese tirando piedras, agitando las manos mientras se dedica a sí mismo un baño de verano, provocando así que las ondas vayan y vengan de un lado a otro. Esto lo consigue utilizando permanentes arpegios, usando una melodía que sube y baja continua y constantemente, con un sonido fino, fortes inesperados y pianísimos repentinos que, al contrastar y hacer vibrar las cuerdas del arpa, emiten una sensación que pocos compositores logran hacer.

Esta pieza es una de mis preferidas del compositor francés, y esto, sumado a la fabulosa forma de interpretar de la pianista, es un dualismo perfecto para terminar el día. La pianista, digo, es Martha Argerich, una argentina con un talento sorprendente, con el gran Premio de Piano Frédéric Chopin en el bolsillo, gracias a sus interpretaciones de Liszt y Chopin (ya veremos ejemplos de obras de éstos). Ha obtenido tres premios Grammy en 2000, en 2005 y en 2006. En fin, una eminencia pianística con una técnica refinada y cuidada.

En fin, una vez hablado de la pianista y de la obra, lo que toca ahora es escucharla, así que les voy a dejar que vean la fabulosa interpretación, y que cada uno juzgue y opine por su cuenta. Volveremos a hablar de música clásica dentro de una semana, cada sábado en este blog, y a partir de ahora durante varios meses. Espero que les guste.

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Buenas tardes. Hoy, en nuestra sección de música clásica, la seleccionada para todos los sábados, vamos a escuchar una pieza muy, pero que muy especial, tanto para mí como para la historia de la música en general, porque es una de las más conocidas del compositor, del género y de la época en que fue compuesta. Se trata de una de las obras maestras de la música de todos los tiempos, perteneciente a la época clásica, y compuesta de la mano de Wolfgang Amadeus Mozart, el niño prodigio, uno de los mejores compositores que hayan existido a lo largo de los tiempos. La obra es la famosísima ópera La flauta mágica.

Esta ópera es una de las más conocidas en todo el mundo, no sólo del compositor, sino de todo el género. Fue encargada por un compañero masón, una sociedad secreta a la que el compositor pertenecía. A lo largo de la composición se van sucediendo multitud de arias y diálogos, cada cual más bueno. Y he de decir que yo nunca fui partidario de escuchar ópera, pero desde que vi ésta siento algo especial hacia el género. Lo más característico, y quizá lo más famoso de la obra, con creces, son las dos Arias de la Reina de la Noche. Ésta es un personaje que aparece sólo dos veces a lo largo de la obra y canta una composición, que es la conocida como Aria, dedicada a una voz de mujer llamada soprano coloratura, que es una soprano capaz de hacer grandes articulaciones y entonar sonidos agudísimos con una facilidad superior a las demás sopranos. Sabrán, supongo, que la voz de la soprano es la más aguda de las voces, la voz aguda de la mujer. Pero, además de ser la más aguda y, por tanto, difícil de alcanzar, la soprano coloratura es capaz de articular y de hacer grandes melodías con multitud de notas en los tonos más agudos posibles. Así que la obra tiene un grado de dificultad bastante elevado.

La más conocida de las dos arias coloraturas que se interpretan a lo largo de la ópera, es la segunda, aunque la primera también es especial. La que vamos a escuchar hoy es la segunda, que tantas veces se ha parodiado y tantas veces trata de cantar la gente, creyendo en muchas ocasiones haberlo conseguido, y realmente estando engañadas.

Esta ópera, por cierto, da pie a revelar un dato especial: fue la última que se estrenó en vida del compositor, apenas dos meses antes de su muerte. En la película Amadeus, la que cuenta la vida de Mozart –una gran película, por cierto–, aparece, si mal no recuerdo, el propio compositor dirigiendo la orquesta en el estreno de esta ópera y a punto de desmayarse, y finalmente se desmaya en mitad de la actuación. Se estrenó, bajo la dirección del compositor, el 30 de septiembre de 1791.

Por último, cabe añadir que se trata de un singspiel, un tipo de ópera cómica cantada en alemán. Para que sepan en qué lengua escucharán esta maravilla musical. Les voy a dejar ya con la pieza, y espero que la disfruten de verdad. Nos vemos la semana que viene.

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Buenas tardes. Volvemos a estar una semana más en nuestra sección de música clásica, vamos a cultivarnos un poco con los grandes compositores de la historia. Hoy nos toca hablar del gran Franz Liszt. Ya he hablado de él en algunas ocasiones en este blog y en esta misma categoría, pero es que es un compositor cuyas obras no se pueden dejar escapar, y es necesario dedicarle más de un comentario. Lo que hoy vamos a escuchar pertenece a sus Estudios de Ejecución Trascendental, y es, concretamente, el estudio número 4, más conocido como Mazzeppa. Es, quizás, una de las obras más difíciles que se han compuesto para el repertorio pianístico, la cual requiere una técnica extremadamente avanzada, al mismo tiempo que una mentalidad bastante clara y una visión de la música bastante abierta y formada para lograr una buena interpretación, como es la que nos ofrece en el vídeo que veremos el pianista Boris Berezovsky.

La obra en sí es de una lectura bastante difícil. Sólo la lectura ya supone un grave problema, así que imagínense la dificultad de su interpretación y de su ejecución. Es una obra de las que pueden hacer daño si no se tocan como es debido. Tiene, como es normal en la época de Franz Liszt, un carácter puramente romántico, con fuerte intensidad, con un sentimiento marcado por el compositor desde el primer hasta el último compás. Pero además de tener tanto material para impresionar en tan pocos minutos de música, tiene un fragmento más tranquilo que nos estabiliza, pues con tanta tensión no se podría aguantar la obra completa. Son seis minutos cargados de intensidad musical y emocional, con impresionantes saltos en el teclado, con grandes ataques difíciles de conseguir.

Todo esto, por no hablar del aspecto del pianista, que comienza la obra como si nada y la termina sudando a chorros. Podrán ver que caen gotas y gotas de sudor, producto del esfuerzo. Al final hasta le acercan una toalla, no un pañuelo como hacen otros pianistas, para que se seque el sudor. En fin, es impresionante, cada vez que lo escucho me gusta más, no sólo porque mi época favorita sea el romanticismo, sino porque la música es buena, es tan propia de su estilo que no se puede dejar atrás.

El final es algo grandioso, pero tampoco cabría resaltarlo en esta obra, porque grandiosa es, en realidad, la mayor parte de la pieza, y aunque la parte lenta, la más tranquila, pueda parecer fácil de ejecutar y de escuchar, sigue siendo un trabajo increíble, que este pianista hace como si no le supusiera ningún esfuerzo. Claro, detrás de esta interpretación hay horas y horas de estudio.

Piensen en ello, y vean cómo salen de la mano de Boris Berezovsky esos sonidos que otros pianistas no son capaces de conseguir. Es una verdadera maravilla tanto la obra como el pianista, así que el vídeo no tiene desperdicio. Espero que les guste.

Así que les dejo con la obra. Recuerden: Mazzeppa, Franz Liszt. Más de uno sentirá el gusanillo de incluirla en su lista de reproducción. Disfruten.

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Doy la bienvenida a los seguidores de la música clásica recomendada en nuestro blog de música una semana más. Hoy voy a hablarles de un compositor muy, pero que muy especial de su época, que ha influido en mucho de lo que vino después, incluso en uno de los grandes genios de la música –Beethoven–. Hablo del gran compositor Haydn (1732 – 1809), el maestro del clasicismo y de la perfección. No recuerdo haber hablado, desde que comenzó esta sección hace ya mucho tiempo, de este compositor, porque mis gustos por la música clásica nunca han estado demasiado desviados hacia Haydn, siempre han estado más ligados a Mozart o al período clásico de Beethoven, pero ya era hora, esta tarde, de hablar del gran Haydn, que aunque no lo he nombrado mucho, hay bastantes cosas que decir sobre él.

Vamos a escuchar este fin de semana una obra que me ha parecido desde que la he escuchado, no hace mucho –hará unas tres semanas, más o menos–, por primera vez una verdadera maravilla. Se trata de una de las últimas sinfonías que compuso, de esas en las que la perfección ya era, valgan las redundancias, más que perfecta. Me refiero a la Sinfonía nº 92 en sol mayor, Oxford. Esta sinfonía, como sabrán ya por los artículos anteriores sobre el tema, consta de varios movimientos, como todas las demás. Y el que vamos a escuchar hoy es el segundo, un movimiento lento y, prepárense, largo, que seguro que les cautivará si lo escuchan detenida y pacientemente.

Esta obra pertenece al que podríamos llamar su segundo período en la sinfonía, caracterizado principalmente por la capacidad que tiene de sacar a partir de un único tema grandes desarrollos, cada uno con sus características especiales.

A mí me pareció, desde un primer momento, una música preciosa la de este movimiento, que contiene varios detalles fabulosos. Uno de ellos, quizá el que más me atrajo desde el principio, es el enorme contraste entre lo fuerte y lo suave en torno a la mitad de la pieza. Es mi momento preferido, y creo que el de muchos. No obstante, el resto de la obra es una delicia, y recomiendo que escuchen el resto de la sinfonía completa si les gusta este movimiento, porque también les cautivará. Pero además de ese movimiento fuerte del que les hablo, también hay una fuerte melancolía en la melodía que utiliza durante todo el pasaje, una melodía fina y consonante, tan repleta de perfección como la obra en sí misma.

Con todo esto sólo quiero abrirles las puertas a la gran obra, porque es una de las que, si les gusta la música clásica, no deberían dejar pasar. Yo la dejé, por un tiempo, pasar, dejé por un tiempo pasar toda la obra de Haydn, y me arrepiento de no haberlo descubierto antes. No obstante, ahora que lo he descubierto tengo la sensación de que querría abarcar toda la obra del compositor. Puede que ustedes también sientan lo mismo después de escuchar este movimiento. Así que les dejo que lo escuchen y decidan por sí solos si buscar el resto de la sinfonía.

Volveremos a vernos dentro de una semana.

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Vamos a hablar este fin de semana en nuestra sección de Música Clásica sobre uno de los grandes genios de la música, como ya hemos hablado otras veces, pero hoy con una obra especial. Se trata del gran Johann Sebastian Bach, el gran compositor del período barroco, y una de sus obras más reconocidas: las Variaciones Goldberg.

Terminada en 1742, las Variaciones Goldberg son una obra fundamental a los oídos de cualquier músico, pero sobre todo de cualquier pianista. Se trata de una composición formada por un tema principal, del cual se hacen después treinta variaciones diferentes, cada una con su carácter, unas fuertes, otras suaves, unas enérgicas, otras relajadas, unas con mayor velocidad y otras con menor velocidad. Todo esto hace de Bach, como siempre le sucedió con esta técnica, un verdadero maestro de la música. La técnica que utiliza, supongo que la saben por las veces que se habrán citado a lo largo de nuestros comentarios, se llama contrapunto. Consiste éste, explico muy brevemente, en contraponer melodías diferentes siguiendo un mismo esquema, con diferentes voces, cada una de las cuales habla por sí sola. De esa manera, podemos encontrar obras de tres, cuatro, cinco, seis voces que hablan cada una por su cuenta, lo que hace que la interpretación de la música barroca sea bastante difícil a estas alturas, porque para destacar el tema principal en la voz que le corresponde hace falta verdadera técnica pianística. También utiliza Bach, como ya he dicho arriba, un tema principal que puede estar en boca de cualquiera de las voces, y eso es lo realmente difícil de su interpretación, buscar el modo de que la voz que lleva el tema principal y que está cantándolo en ese momento suene más que la voz que lleva un contrapunto de acompañamiento. Este sistema se puede apreciar muy bien en las fugas. Por ejemplo, en la ya citada en otro artículo Toccata y Fuga en Re menor para órgano.

Finalmente, la obra termina con un Aria da cappo, que es la repetición del tema principal o Aria para poner punto y final a la pieza.

Por otra parte, contamos con la interpretación de uno de los mejores pianistas, si no el mejor, que interpretaba al compositor barroco. Hablo de Glenn Gould, una delicia pianística. Vemos una forma de tocar un poco peculiar, con la cabeza prácticamente pegada al teclado y como si estuviese cantando –de hecho, canta. De vez en cuando se escucha su voz fundida con el piano–. Así logra una interpretación exquisita, concentrándose en la música como ningún otro pianista. Y además, la técnica que utiliza es también fabulosa. Vean cómo toca las notas separadas cuando corresponde a ello, y cuándo aprieta el sonido si el ritmo se lo exige, y cuándo hace todo lo contrario, recoger la fuerza del sonido mientras toca rápido. Es, no cabe duda alguna, y reconocido por todo el mundo, uno de los mejores pianistas que han pasado sus manos por ese instrumento. Los grandes pianistas se podrían contar con los dedos de la mano, y éste es uno de los que entrarían en una contada.

Y sólo un último detalle que añadir: la obra que escuchamos hoy es bastante extensa, en las tiendas se vende en un disco completo. Digo esto porque los que quieran escucharla completa van a tener que buscar el resto, pues sólo dejo la muestra de una parte, correspondiente a las ocho primeras variaciones, y si les gusta les recomiendo que busquen el resto y tengan paciencia, porque merece la pena. Y nada más, les dejo con la interpretación de Glenn Gould, inmejorable.

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Muy buenos días a todos, para algunos, buenas noches aún –que aún duerman plácidamente–. Hoy, sábado, os voy a hablar de una pieza musical de especial importancia para mí. Me refiero a la famosa Obertura que precede a la gran ópera El Barbero de Sevilla, compuesta por el italiano Gioacchino Rossini. Es habitual también oír esta pieza como parte de un concierto, por el mero hecho de que es instrumental y tiene carácter de concierto.

Esta ópera tiene una historia bastante curiosa. El día de su estreno, todo lo que pudo salir mal, como dice Murphy, salió mal. El público, en primer lugar, abucheaba a los músicos y a los actores, se reía, se burlaba de todo. En fin, el público no puso de su parte para que el estreno de la obra fuera bien. Y por otro lado, también hubo contratiempos escénicos, como es el resbalón de uno de los actores, que cayó en mitad del escenario y en mitad de un fragmento de la ópera, causando la risa de todos; como es también el hecho de que se rompiera una cuerda de un instrumento de la orquesta; y como es también, por último, el hecho de que saltara un gato al escenario. Ante esta situación, el compositor se fue del teatro y dijo que tenía que irse porque pensaba que lo iban a asesinar. No obstante, al día siguiente el público reflexionó y esta ópera se convirtió en una de las más preferidas de Rossini, como sigue siendo considerada hoy día.

Por su parte, la obertura es una pieza musical que tiene un carácter fuerte, con un constante cambio de ritmos y dinámicas que hace que el espectador u oyente quede totalmente cautivado ante la belleza de la música. A mí me impresionó cuando la escuché por primera vez. Estaba en tercer curso de la ESO, hace ya 5 años, y a pesar de que ya tocaba el piano y sabía apreciar la obra de Chopin, no me gustaba la música orquestal. Enseguida me di cuenta de que eso era porque no me había detenido a escucharla. A todo el mundo, creo, le pasa lo mismo: ven una orquesta o una ópera y dicen que no la escuchan porque es, simplemente, aburrida, y sin embargo cuando se paran a escucharla y miran lo que tienen de interesante tanto la orquesta como la ópera, se dan cuenta de que es una música exquisita. La ópera es como el teatro. De hecho, hay óperas que dan lugar a teatros, y viceversa, o que tienen la misma temática, que están basadas en la misma obra primitiva.

En fin, creo que os va a gustar esta pieza. Si no, pueden entretenerse con el director, que tiene una mano para dirigir la orquesta realmente increíble –apréciese la indirecta–. Espero que disfruten de la música, ya que es, cuanto menos, interesante oír de la mano de este director y de estos excelentes músicos la pieza que, en su día, compusiera Rossini para abrir la famosa historia del Barbero de Sevilla. Recomiendo la ópera entera para todo el que se interese por ella, y quizá más adelante enseñe algún fragmento interesante. Que pasen un buen día.

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Vamos a dedicar el artículo de esta semana de música clásica a una verdadera obra maestra. Vamos a hablar de una sonata que compuso uno de los grandes compositores de toda la historia: Beethoven. Se trata de la sonata para piano número 23 en fa menor, opus 57, más conocida como la Appassionata. Es, para mi gusto, casi la mejor de las treinta y dos sonatas que componen su repertorio de sonatas para piano. Además, interpretada por las manos del pianista que nos acompaña hoy, resulta verdaderamente estremecedor escuchar este fragmento. El pianista es el gran Claudio Arrau, y el vídeo que vamos a ver es un fragmento de la sonata, interpretada en el concierto que ofreció con motivo de su 80 cumpleaños.

Ya dijimos en un artículo anterior sobre música clásica cuál era la estructura que solía tener una sonata clásica para piano. Pero esta tiene más bien carácter romántico, como es propio del Beethoven de aquella época, aquel que tuvo, como sabemos, tres períodos en su vida, que podríamos reconocer como Beethoven clásico, Beethoven propio y Beethoven romántico, quizá prerromántico. Pues bien, esta sonata tiene bastante carácter de romanticismo y tiene grandes impresiones sonoras y rítmicas, con fuertes matices y pasajes súper complicados. Supongo que eso suele impresionar siempre. Pero a lo que iba: dijimos que una sonata podía tener tres o cuatro movimientos. Ésta tiene tres, uno rápido, otro lento y otro más rápido. El que escuchamos a continuación es sólo el tercero, y he escogido éste, a contra natura –porque siempre suelo escoger el primero para que luego la gente busque los demás si le ha gustado–, porque creo que la interpretación de Arrau en el tercer movimiento es la mejor que he visto en mi vida. Aun así, el primer movimiento no deja de ser una delicia musical a oídos de cualquiera, así que también lo recomiendo firmemente.

En los conservatorios esta sonata es esencial para cualquier pianista, pero esencial en cuanto a ser escuchada, no interpretada. Digo con esto que, aunque un pianista tenga mucho nivel de conservatorio, raro es el que toca a la perfección esta obra completa, incluso fragmentos de la misma. Requiere su ejecución un esfuerzo pianístico sobrenatural, esfuerzo que sólo los grandes pianistas pueden hacer. Claudio Arrau es, mejor dicho, era uno de los grandes pianistas, y por eso os enseño su interpretación.

En cuanto a Beethoven, ¿qué decir? Es uno de los grandes genios de la música que se ha escuchado a lo largo de la historia. No se puede decir nada más de él, nada más que alabar su talento. Y en cuanto a la sonata, una delicia. Creo que debería estar entre la discoteca de cualquier oyente de música clásica. Merece realmente la pena.

Una vez dicho esto, ya no me queda nada más que anunciar: sólo que espero que disfruten de esta pieza musical, de la interpretación de Arrau y de la música en general, que para algo la compuso Ludwig en su día. Volveremos a hablar de música clásica dentro de una semana. Hasta entonces, pásenlo bien.

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